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Crítica a Laal Singh Chadda (Corre Laal Corre) por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-30T12:26:00.004-03:00

Laal Sing Chadda es nada más y nada menos que una remake de Forrest Gump. A veces, hay películas que son maravillosas y que son perfectas, Forrest Gump es una, por lo tanto, hacer un remake es lo más absolutamente innecesario en la historia del cine. sin embargo, ante la promesa de que es hecha en la India y por nada menos que por su máxima estrella, una persona incapaz de errar a nivel cinematográfico, que es Aamir Kahn no deja de entusiasmar la idea de verla.. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo de Spotify o Soundcloud, o de YouTube con video.

Aamir Khan

Corre Laal Corre, nombre con el que llega en Netflix a la Argentina, es el sueño que tuvo Aamir Kahn, uno de los más grandes cineastas de la india, actor, productor, y director, aquí en los dos primeros roles mencionados, que ha hecho grandes obras como 3 Idiots, Rang de Basanti, PK, y la maravillosa Like Stars On Earth todas esas películas que entraron en el ranking de las 250 preferidas de la audiencia a nivel mundial de toda la historia, recogido en IMDb, votadas por cientos de miles de personas. Además, se había hecho famoso con Lagaan, una película nominada al Oscar extraordinaria, que fue un hito en el cine de la India. Podríamos denominarlo a Aamir Kahn como el Tom Cruise de la india, una mega estrella que produce y es queridísimo. Las películas de Aamir Kahn son películas con gran corazón, y son películas emotivas y emocionantes, es casi obvio que se haya sentido fascinado por Forrest Gump, y durante años luchó para conseguir los derechos, que no se los daban; viajó a verlo a Steven Spielberg en Alemania por ejemplo, mientras este filmaba puente de espías, para rogarle de que hable con quien había sido su protegido, Robert Zemeckis, para que le habilite los derechos para hacer la remake; a lo cual el magníficos director le respondió: “Roberts Zemeckis es como un hijo para mí, pero vos sabes que muchas veces los hijos no le hacen caso a los padres”. Finalmente logró la autorización y con el mismo guion de Eric Roth ganador del Oscar, se hizo una adaptación para la india, y se filmó esta película.

Luego de esta introducción histórica, ¿qué podemos decir del filme en sí mismo? Bueno, es evidente que Aamir Kahn tenía ganas de un enorme desafío y se metió en una tarea prácticamente imposible, podríamos decir que se metió en camisa de once varas, porque cuando uno quiere volver a contar una película que es literalmente perfecta, para hacerla igual de perfecta hay que hacerla igual, lo cual no tiene sentido hacer una remake; porque lo más parecido a sí mismo, es la cosa misma, por ende nos quedamos con el original. Por ende, cada cambio que se le pueda hacer a la historia y la narrativa, necesariamente va a ser para peor; porque el original ya era perfecto. Entonces, ¿cómo sobrevivir a este proyecto? Bueno, una de las ventajas que tiene la película es que, al ser trasladada a otro país, se justifican muchos de los cambios, porque es interesante poder ver como se cuenta otra cultura distinta a la norteamericana, pero con los ojos de Forrest Gump y con su estructura.
Además, Aamir Kahn es un actor de enorme empatía con la audiencia, y es un verdadero placer verlo en la pantalla, por lo tanto, nos enganchamos con este personaje, y no lo vemos simplemente como una copia del personaje interpretado por Tom Hanks, y esto hace que la película valga la pena ser vista, aun cuando el fantasma de Forrest Gump arrecia por cada escena del filme.

Para quienes no hayan visto la película original, diremos que el protagonista es una persona que tiene una inteligencia inferior a la normal, eso de niño le trae numerosos problemas, sufre el bullying, es discriminado, pero una niña permite que comparta con él, Laal se enamorará de ella y ya como un joven adulto le propondrá matrimonio, pero ella tiene otros planes para su vida; planes de riqueza y de fortuna. A lo largo de lo que se va contando la historia de Laal, vemos como tiene una vida realmente interesante, siendo un atleta extraordinario por la velocidad a la que corre, siendo un héroe en la guerra, cuándo se mete al ejército, siendo un exitoso empresario cuando se pone a trabajar, y siendo un extraordinario runner que recorre todo el subcontinente indio y moviliza a miles de seguidores; pero el cambiaría todo esto en un segundo por estar con su amada, la cual está más preocupada por hacer dinero y por estar al cobijo de otros hombres poderosos, que le corresponderle el amor verdadero al protagonista.

La película habla sobre el amor, sobre la discriminación, sobre el heroísmo, sobre el progreso, sobre la motivación para vivir, y sobre diversos temas trascendentes, y lo hace, además, con cierta trascendencia. Y esto sucede aun cuando la magia no es completa para los que vieron Forrest Gump.
Corre Laal Corre es una película que funciona y logra emocionar al espectador en numerosos momentos, pero no con la consistencia y el impacto de la obra maestra original. Una de las cosas más maravillosas que tenía la primera película, era que se sentía como una épica de 3 horas, pero cuando uno miraba el reloj habían pasado solo dos; en este caso, parece una película de dos horas y media, pero cuando uno mira el reloj al empezar los créditos han pasado un poco más de dos horas y media efectivamente. Una parte de la culpa de este metraje adicional, es que la película como toda película de Bollywood tiene canciones, aunque en este caso no son tipo número musical bailadas y con playback, sino más bien como reflexiones de la banda sonora, como si fuera una voz en off del protagonista que se escucha solo en audio mientras haya imágenes diversas; son canciones muy bonitas, y que funcionan muy bien.

Laal Singh Chadda es una película que vale la pena ver, y que seguramente se va a disfrutar mucho más sí uno no tiene tan fresco el visionado de Forrest Gump primero. Aamir Khan lo hizo de nuevo, se metió en camisa de once varas, se metió en el proyecto más arriesgado de su vida, y logró una película que, más allá de sus defectos y sus comparaciones, logra hacer llorar de la emoción al espectador, lo cual no es poco.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 26/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

Mirá el tráiler aquí (sin subtítulos por el momento, pero se entiende):

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Crítica a Sean Eternos - Campeones de América por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-30T10:38:00.002-03:00

Sean Eternos: Campeones de América es un documantal dividido en tres partes que cuenta la historia del trinfo en la Copa América por la Selección Argentina, donde al fin Messi pudo salir campeón con la celeste y blanca de mayores. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo de Spotify o Soundcloud, o de YouTube con video.

Lionel Messi

Sean Eternos: Campeones de América es una pseudo miniserie, que en realidad es una película de 2 horas cortada en 3 partes, funciona bien y muestra los pormenores de la selección argentina, especialmente mostrando el caso del campeonato de américa que ganó en 2021, luego de que se le negara la posibilidad de levantar la copa en tres finales distintas; la final dela copa del mundo 2018, la final de la copa América en Chile, y la final de la Cópa América en USA. Los jugadores, especialmente Messi, el mejor jugador del mundo, tenían un gran peso en sus cabezas por eso, y era casi como si fuera una maldición, pero finalmente la selección argentina logró vencer esa racha y levantar la copa, en este caso siendo campeones de américa. El documental se basa principalmente en entrevistas y algunas imágenes de archivo, que ilustran lo que dicen las entrevistas, el protagonista sin duda es Messi, pero también hay otros entrevistados interesantes, tanto dentro de la parte técnica, como dentro de la parte de los jugadores; y dan unos testimonios muy interesantes y emotivos. La película es dinámica y por momentos logra emocionar el espectador, y tiene la particularidad de dejar con ganas de ver el mundial, y hacer y esperar a ver si finalmente la única joya de la corona que le falta a Messi, puede ser puesta en su lugar, levantar la copa del mundo.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 26/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

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Crítica a Jeepers Creepers Reborn por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-29T12:35:00.007-03:00

Jeepers Creepers Reborn es un filme sin alma, sin sustos, sin terror y completamente genérico; debo escribir rápido a esta crítica, porque ya me lo estoy olvidando. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Jeepers Creepers es otra película genérica más de terror, que no solo aporta nada la historia del cine, sino que tampoco le aporta nada a la historia del terror, y ni siquiera le aporta algo a la saga de Jeepers Creepers. Esta secuela/reboot es una película más, dentro de las cuales hay un grupo de gente joven, hay un villano de alguna clase, no nos importa ninguno de esos personajes, y los va matando uno por uno, excepto la pareja protagónica, a la cual le tenemos cierto cariño; que es un joven negro que se le está por declarar a su novia blanca en el marco de un festival de terror, en el medio del campo, excepto estos dos personajes, los otros son simplemente blancos para ir matando, sin que nos cause emoción, terror, sorpresa o impacto.

La película no genera terror, no genera miedo residual, y tampoco funciona bien en general, donde tampoco genera algunos sustos y sobresaltos al espectador; que si bien es cierto hay algunas escenas donde se aparece algo repentinamente frente a cámara y sube la música, o hay algún acordé o ruido en particular, para que eso funcione y asuste, tiene que haber cierto clima; sino es simplemente un ruido en la película, y no genera miedo. Por lo tanto, es una película que funciona muy poco, con un argumento irrelevante, con una semiótica nula, y sin ningún mensaje. Tampoco siquiera produce un efecto de nostalgia, o un efecto de meternos en la mitología de este personaje.

El filme empieza con un prólogo dónde hay dos adultos mayores que van en un auto, se cruzan con el asesino, tienen unos encontronazos en la ruta, donde casi se despistan y en un momento lo ven tirar un cuerpo como por un hueco, en una casa que parece abandonada. Luego que el asesino los persigue y que se escapan, tienen la forzada e inverosímil idea de ir a entrar en esa casa y ver si realmente era un cadáver eso que vieron; el cierre de esa secuencia se desinfla totalmente y no funciona en lo más mínimo. De ahí pasamos a la historia de los dos jóvenes que van al festival en donde se mezcla por momentos lo que son escenas de terror generadas para ese festival, con escenas terror de la vida real, y finalmente terminan en una casa donde el Creeper los empieza a matar uno tras otro de manera genérica y con la narrativa en piloto automático. La película no tiene mucho para ofrecer al público, y ciertamente es una buena opción no gastar dinero en ir a verla al cine, no hay mucho más para decir la verdad.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 19/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

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Crítica de Un Crimen Argentino por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-29T12:11:00.000-03:00

Una opción válida de ver en HBO Max, pero que no llega a la grandeza por indecisiones en la trama sobre que tipo de film quiere ser. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Un Crimen Argentino es una película qué funciona, pero a medias; lamentablemente no logra llegar a este punto crítico para ser una realmente muy buena película, eso se debe a problemas en el guion donde el film no se decide para dónde quieren ir. Como menciona el título, es una historia de un crimen, como menciona el póster sin cuerpo hay crimen, y durante el desarrollo se hace esa pregunta, porque la persona en cuestión ha desaparecido, y al cual los protagonistas deben buscar. No sabemos si está muerto o no, pero por otro lado quieren jugar con el suspenso de que un sospechoso determinado interpretado por Darío Grandinetti podría ser el perpetrador de este crimen, ya sea un secuestro, o un homicidio, y no se puede hacer 3 películas distintas resumidas en una sola, se debe elegir una de estas tramas, y hacer una película coherente con una de esas opciones; al no hacerlo, la película divaga narrativamente entre si es una película de un asesinato sin cuerpo, si es sobre una búsqueda de un desaparecido; o si la persona que es sospechosa, pero no para todos los personajes, es una víctima o es el victimario. Esta indecisión del guion hace que no se potencian ninguna de esas opciones, y no se desarrolle correctamente, haciendo qué nos remitimos a otras películas del género del suspenso y del policial dónde si se han resuelto las tramas satisfactoriamente según los casos, como podría ser por ejemplo Los Sospechosos De Siempre (personaje que se hace pasar por un perejil que no sabe nada), en uno de los casos; The Vanishing en otro de los casos (desaparición de un personaje), o por ejemplo la más reciente Yo Estuve Aquí (asesinato sin cuerpo) en otro de esos casos; y un crimen argentino sale perdiendo en cada una de las comparaciones posibles.

El argumento consiste es que, en épocas de plena dictadura militar, unos oficiales de la justicia son llamados para investigar la desaparición de una persona importante, en tiempos que las desapariciones eran un procedimiento común para las fuerzas de seguridad nacionales que luchaban contra el terrorismo de izquierda; pero fuentes del ejército sostienen no tenerlo capturado, y ordenan que debe ser buscado. La búsqueda a su vez estará interferida por un enviado del ejército, qué malogra algunos planes de estos oficiales de justicia, y de entrada vemos que encuentran el personaje de Grandinetti, qué interpreta a un abogado que alega haber estado en cosas turbias, pero no en haber matado ni secuestrado el personaje que buscan; y dice estar esperándolo de hecho.

La película es normas generales funciona, pero deja gusto a poco, está bien interpretada, está correcta en normas generales, pero le falta masa crítica, suspenso y drama, además al no decidirse por el enfoque, la diluye. Esa falencia en el guion, hace que la trama no terminé de explotar del todo, y el efecto de sorpresa, o suspenso no logré estallar del todo tampoco. Es un filme válido de ver, pero es preferible ir con las expectativas bajas al cine, o mejor aún, mirarlo en HBO Max.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 27/08/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

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Crítica a Belfast por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-29T11:44:00.004-03:00

Belfast es un emotivo filme que cuenta la vida de un niño en una convulsionada ciudad de Irlanda del Norte en 1969. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Belfast es una muy buena película de un gran maestro que se llama Kenneth Branagh, el cual hizo previamente grandes películas como Henry V y Hamlet, dentro de varias adaptaciones que hizo de Shakespeare, y otras películas más populares como la cenicienta, o Jack Ryan código sombra, o la saga de Hércules Poirot, con Asesinato En El Expreso De Oriente y Muerte En El Nilo. En este caso viene con lo que podría hacer su película más personal y más artística, ya que cuenta una historia inspirada en su propia infancia en su Belfast natal en Irlanda del Norte, en la década del 60.

La historia cuenta las vicisitudes familiares de la vida de un niño y ciertos problemas históricos que marcan el contexto de la zona, donde hay una especie de guerra entre facciones protestantes y facciones católicas; todo esto a través de los ojos de un niño y mostrando especialmente a su padre, el cual hace grandes sacrificios para mantener a su familia y mantenerla segura, y también la relación del niño con su abuelo qué es esencial en su formación.

Luego de un pequeño prólogo en color, el film se desarrolla en blanco y negro y tiene como un aura artística durante todo el metraje, pero sin llegar a ser demasiado pretencioso, y con cierta honestidad intelectual en el tratamiento, que hacen que la historia sea realmente interesante, que el público se enganche con la historia y que se identifique con los protagonistas, mientras ve cómo se desarrollan sus vidas en este ambiente turbulento.

La película ganó el Oscar al mejor guion de forma merecida, y es un filme para adultos, que, si bien es cine arte, también entretiene; aunque no es una película que uno iría a ver al cine con él solo fin de entretenerse; sino que uno busca la emoción, el sentimiento, y la profundidad. En muchas partes de esta película se encuentra eso, aun cuando es un filme que no tiene un conflicto absolutamente claro como en muchos de los filmes que estamos acostumbrados a ver, sino que es más bien como una serie de viñetas de la vida familiar, un devenir de la vida diaria; con episodios interesantes sin duda, que van forjando la vida de este niño. Y gran parte de su magia está en los pequeños detalles. Teniendo en cuenta eso, y si a uno le gusta ese tipo de argumento donde simplemente se desarrolle la vida, es un filme que realmente vale la pena ver, muy recomendado.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 05/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

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Crítica One Piece Film Red Por Cristian Olcina y Facu Neo

2022-11-29T10:09:00.010-03:00

One Piece Film Red es una animé que no es para cualquiera, acá el análisis del profe de cine para el publico en general, y el de un otaku experto. Debajo de la foto, la introducción a las críticas; más abajo las crítica radiales, completas en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

One Piece Film Red es una película de animación japonesa que está hecha para un determinado público, ya sea o bien el público de la serie, en la cual está basada; o bien, el público otaku en general; pero más allá de esas audiencias específicas, es un filme qué tiene poco para ofrecerle al público general, debido a su especificidad, y a su estilo acelerado lleno de datos y referencias, que pueden perder a un espectador casual que no conoce el estilo de animación japonesa, y la serie en particular. Aquí tenemos dos opiniones, la del Profe de Cine Cristian Olcina, que comenta sobre eso, y la de un otaku profesional Facu Neo Ludueña, director de la CAF, que sabe muy bien de lo que habla, y la recomienda para su público objetivo.

Cristian Olcina

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Aquí están las crítica de audio que se emitieron por FM Play el día 05/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

La Crítica del Profe de Cine, para el público general:

La crítica del experto otaku Facu Neo Ludueña:

Aquí las mismas críticas radiales, pero con video:

Mirá el tráiler aquí:

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Crítica a El Menú por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-28T23:13:00.001-03:00

El Menú es un filme original y sorprendente que podría ser definido como un filme de terror, pero no lo es, o como una comedia negra; pero es mucho más que eso, drma misterio, tragedia, y humor se mezclan en un filme único. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

El Menú es una película muy particular, es el filme que deberíamos ver si somos esas personas que nos quejamos de que Hollywood trae todos los productos iguales, o que Marvel es una fábrica de contenido más que un estudio que hace películas, o cosas por el estilo. A veces, de los estudios, sale cine qué es distinto, y sin llegar a ser extremadamente raro, o extremadamente artístico, hay un guion que se la juega, pone toda la carne en el asador, y muestra algo novedoso; este es el caso.

El Menú es una película muy difícil de describir, y casi indescifrable en cuanto al género; hay quienes la llaman en una película de terror, hay quienes la llaman una comedia, qué es un género casi opuesto al terror, y hay quienes la llaman comedia y terror. Desde distintos puntos de vista podemos darle la razón a cualquiera de estas tres posturas; lo que pasa es que no es una película específica de género, sino que más bien trata un tema, lo desarrolla de una forma determinada, y usa recursos y formas de ambos géneros. La película ciertamente tiene humor y tiene muchas escenas que pueden provocar una carcajada, pero no es una risa franca, como la risa de una comedia, sino más bien es una carcajada, si se da, o una sonrisa inteligente, cómplice, que se ríe o se burla de algún sarcasmo, o de alguna declaración o suceso que es tan tragicómico que produce gracia; porque la película tiene un tono serio y dramático, y además, todo personaje que aparece en la pantalla corre riesgo de muerte; por lo tanto no es una comedia franca.

Pero tampoco es específicamente una película de terror, porque no intenta serlo; no intenta asustar, ni intenta dejar un miedo residual tampoco; más bien cuenta una historia que es una mezcla de drama, de tragedia, de crimen, y de sangre; que, por su morbosidad, perversidad, sangre derramada y muerte, puede con ser considerada dentro del género del terror; sin embargo, la narrativa está más cerca de lo que se podría decir una película de suspenso, que de una de terror. Y tampoco intenta ser una película de suspenso, ya que el objetivo de la misma no es generar tensión en el espectador, aun cuando la hay, sino mostrar el argumento y desarrollarlo, estudiando la psicología de los personajes, las motivaciones, ver las actitudes raras y en algunos casos aberrantes que tienen, y engancharnos con el misterio de cómo se va desenvolviendo todo esto.

La película, en cierta forma, es un estudio de la psicología humana; especialmente la de esos personajes, que son los comensales y sobre todo del chef, que es hipnótico y hay que ir desentrañando su psiquis. Para eso, el argumento trata sobre un grupo de 12 comensales que llegan en un barco a una isla pagando una tarifa muy alta, para una cena muy especial con un chef estrella, que tiene un restaurante en esta isla, donde toman los elementos de la isla, del mar, y de las cosechas que hacen ellos mismos, para preparar unos platos de altísima calidad y con un alto nivel de arte en la cuestión culinaria. En un primer momento simplemente parecen que están cenando y que el chef es medio extravagante con las historias que cuenta entre plato y plato, como se van mostrando los mismos de manera muy especial; pero uno siente que hay algo raro en el aire, finalmente cuando llega uno de los platos principales, hay una impactante muerte, que algunos toman en un primer momento como un acto de teatralización, pero otros lo creen real y ahí es donde cada uno empieza a temer por su vida; y luego ya empiezan a tener la certeza de que van a morir todos. Más allá de que eso suceda o no, aquí no lo vamos a revelar, ni tampoco vamos a revelar más de la trama, aunque el tráiler revela un poco más inclusive. Gran parte de la emoción de la película, y de su funcionamiento pasa por ver los misterios de la trama, qué es lo que está pasando, ¿es un acting? ¿es de verdad?, ¿por qué pasa lo que pasa? ¿van a morir todos? ¿van a morir algunos? ¿por qué habría de morir alguien en una cena?, y todas esas preguntas se van respondiendo a lo largo del metraje.

La película tiene una dirección muy fina y muy brillante, donde el director logra con exactitud el tono justo de las escenas, y logra tener en vilo al espectador durante todo el metraje. La película juega con elementos perversos, con personajes desquiciados, y con la obsesión máxima que puede tener una persona en un trabajo, y en ese sentido hace recordar a la película El Cisne Negro y es interesante el cruce que hay entre varios personajes sobre todo el que hay entre el chef principal interpretado brillantemente y de manera demoledora por Ralph Fiennes, y una de las protagonistas interpretada por Anya Taylor-Joy, que en realidad es una persona que no pertenece a ese ambiente de gente rica de alta alcurnia, ni tampoco tiene ese grado de conocimiento de comidas gourmet de alto nivel; y eso genera una gran tensión, con un diálogo absolutamente brillante en uno de los momentos de la película; que si ven la película, se van a dar cuenta.

La historia y la narrativa se podrían haber desbarrancado completamente en el final, pero afortunadamente eso no sucede; y el final, o al menos la expectativa que tenemos del final a lo largo del metraje, tiene un dilema importante; qué es que uno quiere que por un lado, se salve la protagonista; pero por otro lado también nos gustaría ver qué es lo que va a pasar con los comensales, hay como una curiosidad de querer verlos morir en el plan que se desarrolla. Alguien dice que todos van a morir, y eso genera cierta morbosidad en el espectador, que le gustaría ver como se lleva a cabo. Quizás no es una perversión real del espectador, sino como una curiosidad narrativa, cinematográfica, como cuando vemos un filme de un cometa que va a chocar contra la tierra, por un lado queremos que los protagonistas se salven, pero por otro nos gustaría ver el cometa impactando en una escena espectacular, y de forma similar puede ser nuestra actitud frente a este filme. La película en ese sentido es como si se metiera en camisa de once varas, pero casi milagrosamente, sale indemne; la resolución de ese dilema es absolutamente brillante, y roza lo genial; además es impecable desde el punto de vista lógico, y desde las características de los personajes y su visión de sí mismos, del mundo, y de su arte.

Una película original, imperdible para un verdadero cinéfilo, pero con la advertencia de que es sangrienta, perversa, extraña, demencial por momentos, y con un humor tan negro qué se traga su propia luz. Muy recomendada, con advertencias; hay que tener estómago cinematográfico para verla.

Cristian Olcina

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Crítica A Ennio El Maestro Por Cristian Olcina En 100% Cine

2022-11-28T11:39:00.000-03:00

Ennio es un documental imprescindible para el cinéfilo, y es recomenado para el público en general para conocer la obra del Maestro Ennio Morricone. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Ennio es un documental muy bien realizado por el director del clásico Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore; es un filme qué está basado principalmente en una entrevista a este gran maestro de la música de cine, y también se matiza con entrevistas a otros expertos en la materia. Cuenta la historia de su vida de manera completa, y cómo logró transformarse en uno de los más grandes exponentes de su profesión, componiendo algunas de las más notables músicas para cine de la historia; entre ellas, la música de La Misión, Lo bueno lo malo lo feo, Los 8 más odiados, y muchas más. El documental muestra los datos sobre su vida, pero a la vez emociona en varias partes, sobre todo cuando se refiere la película de La Misión, por ejemplo, y muestra de manera justa la grandeza de su obra. Es un documental muy clásico, y es un poquito largo, pero para el cinéfilo verdadero, es una obra imprescindible de ver para conocer todas las genialidades que hizo este maestro, y cuál fue su camino. Para el público en general es interesante, pero quizás no tenga tanto Impacto como cuando uno ha disfrutado en numerosas oportunidades la obra de este genio del séptimo arte y de la música. Para los cinéfilos avanzados es absolutamente obligatorio de verla. Es notable que esté documental se haya estrenado en el cine, muy recomendada.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 18/06/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A Ennio El Maestro Por Cristian Olcina En 100% Cine

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Crítica a Adiós Señor Haffmann por Cristian Olcina

2022-11-25T11:50:00.011-03:00

Adieu Monsieur Haffman es un filme interesante con drama y supenso que nos hace reflexionar sobre lo que tuvieron que vivir los pueblos ocupados por la alemania nazi, especialmente los ciudadanos judíos. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Adiós Señor Haffman es una película muy interesante, es un film que invita a la reflexión desde el primer minuto, y que, a pesar de estar desarrollada casi en su totalidad en una sola locación, es una película muy entretenida. Esto se debe a que es una adaptación de una obra de teatro, pero el uso del lenguaje cinematográfico es muy correcto, con una muy buena narrativa que no nos sugiere una adaptación teatral y que mantiene el drama y suspenso todo el metraje.

La película trata una historia que se desarrolla en la Francia ocupada en la Segunda Guerra Mundial; los nazis empiezan a perseguir a los judíos, y el señor Haffmann, joyero de profesión tiene un negocio, donde tiene a un empleado que lo asiste en la fabricación de las joyas, el cual no es judío. Cuándo empieza a haber restricciones y se da cuenta que su vida corre peligro, decide mudarse y dejarle en una especie de préstamo el negocio y el departamento contigua a su empleado, pero haciendo un falso contrato, donde dice que lo ha vendido.

En el momento de escaparse junto a su familia, su mujer y sus hijos pueden salir, pero él no llega a hacerlo; por lo tanto, vuelve al negocio, pero como ya han tomado posesión de la casa el empleado y su señora, ahora se irá primero al cuarto de los chicos, y luego al sótano; ya que los nazis andan buscando judíos y debe estar escondido. Esto obviamente pone en peligro a su empleado, y su mujer, sin embargo, teniendo en cuenta la oportunidad que le dan, lo albergan. Este es el seteo que se genera para que surgen una serie de decisiones que hay que tomar, las cuales son todas problemáticas moralmente, porque son en la desesperación, y no con total libertad; ya que los nazis acechan y el solo hecho de ser judío puede llevar a la muerte.

Encima cuando viene un oficial nazi buscándolo al señor Haffmann se presenta frente al empleado, este le presenta el contrato de compraventa, el nazi lo cree y cómo le gustan las joyas que hace, se vuelve cliente regular, y no solo eso, sino que además lo recomienda ante otros oficiales nazis que vienen al negocio, y para colmo de males, como hay escasez de joyas la guerra, en un momento el oficial nazi le ofrece una serie de joyas viejas que contienen piedras preciosas para que desarme y haga joyas nuevas, pero obviamente sospechamos que el origen de esas joyas no es legítimo. Además, como la estadía del señor Haffmann en el sótano se prolonga, empieza a trabajar para su propio empleado y debe desarmar está joyas, con todo lo que esto implica.

La película es interesante, hace numerosos planteos y dilemas morales, examina lo que es la moralidad en un entorno de falta de libertad y de desesperación, examina la lealtad, y también juega con el cambio de roles entre el empleado y su patrón, mantiene una tensión permanente todo el metraje, y aun cuando muestra qué hay muchos grises en la moralidad de una situación de guerra, también deja en claro qué es lo correcto y lo que no es correcto, pero mostrando todos los matices, lo que le permite al espectador sacar sus propias conclusiones, y preguntarse qué habría hecho en esos casos. Además, suma puntos por mostrar un oficial nazi interesante que nos es un monstruo psicópata, sino un hombre que también tiene sus matices, sus lealtades y sus grises morales, y todo eso sin mencionar las cuestiones personales y familiares de los protagonistas a los fines de evitar el spoiler, pero cabe destacar que es muy interesante lo que sucede.

Una película realmente muy bien hecha, muy bien actuada, sólida, entretenida, y que muestra una faceta nueva en el tratamiento del holocausto judío en la segunda guerra mundial. Sin entrar en el horror de los campos de concentración, ni enormes derramamientos de sangre, pero sí mostrándolo como casi una precuela de ello, al mostrar el horror al cual puede llegar la raza humana por el racismo la discriminación, la xenofobia, y el adoctrinamiento ideológico. Muy buena; recomendada.

Cristian Olcina

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Aquí se publicará la crítica de audio que se emitirá por FM Play el día 26/11/2022.

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Crítica a El Escuadrón Suicida (2) (2021) por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-17T10:59:00.001-03:00

El Escuadrón Suicida (2) es un filme ultraviolento, ruidoso y caótico que puede fallar bastante en enganchar al espectador. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

El Escuadrón Suicida es una película que se llama igual que la película que se estrenó en el 2016, no tiene un número 2, lo cual sugiere que puede ser un reinicio de la franquicia, y espiritualmente lo es en cierta forma; sin embargo mantiene cierta continuidad con la anterior, especialmente con la aparición del personaje más importante de ese filme, que trascendió fuertemente las fronteras de esa película, el personaje de la novia de El Guasón, llamada Harley Quinn, la cual es el único personaje que vuelve desde el filme anterior, y desde otros filmes de la franquicia de dc comics.

La película cambia sustancialmente el tono con la anterior y es mucho más humorística, pero a diferencia de los guardianes de la galaxia, que era del mismo director James Gunn, esta no es apta para todo público, sino que es una película extremadamente violenta, sangrienta, y por momentos inclusive podríamos decir que cruel, donde gran parte del equipo del escuadrón suicida va a terminar muerto de una forma u otra, ya sea de manera sorpresiva o esperada, y de diversas maneras.

El argumento trata que el escuadrón suicida sale de la prisión para ir a un pequeño país dónde hay una dictadura y se deben enfrentar con un ejército y con una criatura que se va a escapar de un laboratorio de experimentos. La película no tiene mucha alma, tiene mucho ruido, y no engancha fácilmente al espectador como otros productos de Warner y DC, no tiene la epicidad de La Liga De La Justicia De Zack Snyder, ni tampoco tiene el corazón de la misma, es una película fría que una parte de la audiencia que la vio en HBOMax la ha dejado en los primeros minutos por falta de atrapar al espectador en el relato, o por desagrado frente a su violencia casi festejada, y en muchos casos absolutamente gratuita. La película está llena de personajes bizarros y en muchos casos desagradables, y es raro que nos importan mucho si viven o mueren, o lo que suceda con ellos; con la excepción notable del personaje de Harley Quinn, que ya lo hemos visto en otros filmes y es un personaje muy rico, y muy bien interpretado por Margot Robbie.

A nivel personal la película no me funcionó, no me enganchó, y prácticamente no me entretuvo y en muchas partes hasta tuve que soportarla para terminarla de ver; luego de haber tenido varios arranques para querer verla, es el producto más prescindible de dc, que si no la ven no se pierden nada, y no va a venir el espíritu de Bob Kane a decirles: “che, no viste el escuadrón suicida”.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 05/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

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Crítica a Amenaza Explosiva (Hard Hit) Por Cristian Olcina En 100% Cine

2022-11-17T10:29:00.001-03:00

Amenaza Explosiva es muy buen thriller con mucho suspenso, y con acción muy bien hecha que es un entretenimiento muy sólido, pero además también nos hace reflecxionar, muy recomendada. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Amenaza explosiva es una muy buena película de acción coreana, que es la tercera película de acción que viene en un par de meses a los cines de argentina, y al igual que las otras es un producto que deja muy satisfecho al espectador. En este caso, se trata de un film que curiosamente es la remake coreana de una película española de 2015. El filme trata sobre un personaje que va en su auto junto con sus hijos, es una especie de agente de bolsa por lo que se ve, que invierte dinero ajeno, y de pronto recibe una llamada que le advierte que debajo de su asiento hay una bomba; en un principio no lo toma en serio, luego lo duda, pero cuando uno de sus compañeros que estaba en la misma situación que el recibe el mismo mensaje, finalmente comprueba que la amenaza es cierta.

El villano le dice que debe permanecer en el auto que nadie se puede bajar si no la bomba explotará, y que deberá darle una suma de dinero en efectivo que deberá ir a buscar al banco, y otra suma de dinero por transferencia; estos montos son millonarios, eso generará angustia y tensión, y se verá como tratara de resolver este personaje está misión, y a su vez, cuando empieza a haber movimientos raros, también se empieza a inmiscuir la policía, que también termina siendo una amenaza para el personaje, porque creen que él es el culpable de lo que está pasando.

La película tiene mucha tensión, es muy efectivo el suspenso de la misma, y funciona muy bien en general; es una película para comerse las uñas, o para dejarle moretoneado el antebrazo al marido. Las actuaciones son correctas, la acción está muy bien filmada, el suspenso está bien dosificado, y se logra un producto redondo, con mucha emoción.

Además la película tiene un plus al ser coreana, porque realmente desconfiamos de que estén realmente en peligro los protagonistas en los productos norteamericanos; que muchas veces vienen edulcorados para vender más, y para satisfacer el apetito de Hollywood, no se juegan muchas veces; pero sabiendo que este es un film coreano, no tenemos ese reaseguro de que a los personajes no le va a pasar nada, y realmente creemos que ya sea el personaje principal, o sus hijos, o inclusive su esposa, pueden morir, y eso genera un nivel de tensión mayor, porque realmente creemos que cualquier cosa puede pasar; entonces el suspenso es verdadero, es real, por momentos se vuelve escalofriante, lo cual le da un plus de calidad, y de eficiencia a la película. Un film que si en este momento que ustedes leen la crítica está en el cine, levántense del asiento y vayan a verla ya.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 29/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A Amenaza Explosiva (Hard Hit) Por Cristian Olcina En 100% Cine

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Crítica a She-Hulk Temporada 1 por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-17T09:06:00.005-03:00

She-Hulk es una serie con vida propia, pero por sobre todo con identidad propia, no es solo una copia versión femenina de El Increíble Hulk, sino una serie con humor, drama legal, desfachatez y cierta originalidad. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

She-Hulk es una atrevida y graciosa serie de Marvel qué no pretende ser El Increíble Hulk en lo más mínimo, y es en cierta forma lo totalmente opuesto, o sea la antípoda de la serie de Hulk televisiva; que era trágica, dramática, y por momentos inclusive hasta deprimente. En este caso la serie She-Hulk no trata simplemente de ser una versión qué haga plata en base al mito de Hulk pero cambiándolo por una actriz desconocida y más barata (aunque quizás en la mente de algún ejecutivo de Disney así lo sea), sino que es un personaje que si bien está basado en el que ahora vemos que es su primo, en realidad tiene vida propia, características propias, arco dramático propio, y hasta se jacta de ello y se burla de su primo inclusive; porque en el primer episodio cuando vemos que Hulk quería comentarle el proceso que había tenido para lograr con mucho esfuerzo ser Hulk a nivel físico, pero ser inteligente a nivel mental, y no simplemente una bestia destructora; ella logra ese equilibrio prácticamente sin esfuerzo en el primer episodio, al punto tal que luego en sucesivos episodios se ve qué la despiden del puesto de la fiscalía, pero la contratan en un estudio de abogados con la condición de que haga su trabajo de abogado convertida en She-Hulk, y así atender principalmente problemas que tienen diversos superhéroes.

Algunas de esos casos son muy ocurrentes, como por ejemplo demandas entre superhéroes por diversas cuestiones relacionadas a sus poderes, sus derechos, sus nombres y exclusividades. La serie tiene una dinámica qué no es absolutamente fija en cada episodio, donde uno diga bueno siempre tiene la misma estructura, como otras series en general , y judiciales en particular, como podría ser por ejemplo, La Ley Y El Orden, sino que va cambiando de distintas formas y en un momento la vemos en la fiscalía, en otro momento la vemos defendiendo un delincuente, en otro momentos lo vemos defendiendo a alguien inocente, en otro momento la vemos a ella como demandada, y en otro momento la encontramos como en una especie de retiro espiritual, inclusive eso hace que la serie no se repita y dónde llega a su apoteosis está dinámica, es el episodio final de temporada donde ella hace referencia a la segunda temporada, a qué es una serie, y otras cuestiones relacionadas con referencias a gente de Marvel que no revelaremos.

La serie es ingeniosa, tiene un tono ligero, tiene un personaje querible; es interesante el conflicto que hace entre su alter ego gigante y fuerte y deseada, con su forma normal qué es rechazada por muchos hombres; y hace chistes y referencias que quizás uno no se podría no se esperaría en una serie en Disney+, que sabemos que van a ver los chicos, como por ejemplo el uso de Tinder en un episodio, y como vuelve el uso de esa aplicación en otro episodio de manera muy orgánica a la trama escrita con mucho ingenio. También hay que destacar que la protagonista tiene sexo con varios personajes en la primera temporada y eso los chicos lo notan, es raro que venga tu hijo y te haga la lista de los personajes con los que tuvo sexo She-Hulk y en qué circunstancias, como fue en mi caso.

Si bien es cierto los efectos especiales no tienen el nivel igual a las películas de Los Vengadores y quizás eso haga que en el tiempo la veamos pasado de moda sino los modifican a los efectos, no deja de ser un buen producto de la factoría Marvel, y un buen entretenimiento, que además nos puede dejar pensando. No es la versión femenina de Hulk, pero sí tiene sus poderes; no es épica, pero si es simpática; no es un robo, pero sí es un producto ultra comercial para entretener, que de paso en algunos momentos nos puede dejar pensando.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 22/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

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Crítica a La Chica Salvaje por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-11T17:17:00.000-03:00

La Chica Salvaje es una interesante mezcla de película de juicio, drama, suspenso y de . Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

La Chica Salvaje es una película muy efectiva que cuenta la historia de un asesinato A fines de la década del 60 en el sur de los Estados Unidos, en una zona dónde hay pantanos, mucha vegetación y un ecosistema denominado marisma, dónde vive una señorita que poco a poco fue abandonada por toda su familia y desde chica se ha criado sola entre los árboles y las lagunas de la marisma. esta chica se ha criado sola durante muchos años y es conocida en la traducción que llega aquí como “la chica salvaje”, aunque en realidad el sobrenombre original en inglés no es tan peyorativo, sino que es “the marsh girl” o sea literalmente “la chica de la marisma” cómo si dijéramos la chica del pantano, o algo asì. Refiriéndose al lugar donde vive, y no esta mala traducción que la denomina “la chica salvaje” que nos estaría indicando una persona totalmente criada fuera de la civilización, cómo sí lo fue el personaje de Christopher Lambert en Greystoke la leyenda de Tarzán.

En este caso, la protagonista en cuestión es civilizada, porque si bien es cierto fue abandonada, previo a eso fue criada por su familia, y además luego tuvo un novio que le enseñó a leer. Una vez que empezó a leer empezó a consumir libros de manera desaforada, y así logró tener una muy buena instrucción inclusive. En el comienzo del filme vemos que un conocido de esta chica ha muerto en la marisma cerca de donde vive ella, e inmediatamente el pueblo entero que tiene mucho prejuicios sobre esta señorita (excepto unas pocas personas) deciden que ella lo mató, la arrestan, y la llevan a juicio; y ahí empieza la dinámica de la película, que se va contando entre el presente del juicio y los flashbacks del pasado, donde se ven lo que ya mencionamos y las relaciones diversas que ha tenido con varios personajes a lo largo de los años, entre ellas, la relación con el muchacho que apareció muerto, que no sabemos si tuvo un accidente al caerse de una torre, o bien pudo haber sido empujado.

La película se toma el tiempo de desarrollar bien los personajes, especialmente el de la protagonista, cuya vida se ve en pausa, porque puede terminar sí es encontrada culpable de asesinato, y la película desarrolla su personaje hasta la última escena, lo cual es un enorme mérito y esto hace que a uno le importe fuertemente el destino de la misma.

El film también trata tangencialmente otros asuntos, que por considerarse spoiler no serán tratados aquí, pero es interesante además el análisis que hace sobre la relación entre el ser humano, y la naturaleza; y la condición animal del mismísimo ser humano. Y de cómo intentos civilizatorios tales como la organización a través del estado, y su brazo represor que intenta dar justicia, pueden ser menos evolucionados que las situaciones que se pudieran dar en la naturaleza, qué a su vez tienen una lógica impecable. Drama, suspenso, reflexión, y emoción, todos tienen lugar en este filme, solo para adultos, qué vale mucho la pena ser visto.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 22/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica a La Chica Salvaje por Cristian Olcina en 100% Cine

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Crítica A Lilo Lilo Cocodrilo Cocodrilo por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-11T15:05:00.002-03:00

Lilo Lilo Cocodrilo es un filme con mucho corazón que es hermoso para disfrutar en familia en el cine, risas, música y emociones a granel. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Lilo Lilo Cocodrilo es un eficaz filme para toda la familia que nos traerá emociones, entretenimiento, música y logrará que nos importen los personajes. La película trata sobre un hombre que es una artista, cantante, bailarín y mago, entre otras profesiones, interpretado por Javier Bardem, que en una tienda consigue un cocodrilo que tiene la posibilidad de cantar; lo lleva a su casa, empieza a cantar con él y entrenarlo para un espectáculo musical en el cual el invierte mucho tiempo y dinero, y cuándo llega finalmente el día del estreno, este cocodrilo, que ya ha crecido bastante, al ver que se levanta el telón y está lleno de gente se enmudece y tiene pánico escénico. Esto hace que el espectáculo sea un rotundo fracaso, que pierda todo lo invertido y se ejecuten las garantías, lo que hace que el mago deba abandonar el lugar donde vive, para vaya a saber a donde va, y que truco económico va a hacer, y de esa forma poder volver.

El problema es que se demora 18 meses en hacerlo, y en ese tiempo el cocodrilo a crecido de manera considerable a tamaño totalmente adulto, del tamaño de una persona; y a esto se le suma una familia nueva que se ha mudado al domicilio que él dejó. En un primer momento, el cocodrilo trata de ser discreto, y que no lo vean, pero primero lo descubre el niño de la casa, que es muy solitario, que al verlo cantar se da cuenta que es inofensivo, y luego otros miembros de la familia, en distintas escenas graciosas y luego tiernas. Luego vuelve este hombre del espectáculo, y por una cuestión contractual deberá quedarse 15 días en ese hogar, hasta preparar un nuevo espectáculo con el cocodrilo, pero el cocodrilo se siente a gusto con esa familia mucho más que en el mundo del espectáculo. Ese es el planteo básico de la película, desarrollado en la primera media hora, y luego se verán varios conflictos en el cual se desarrolla la trama, entre ellos con un vecino metiche qué desprecia a esta familia.

El filme tiene la particularidad de funcionar muy bien, es emotivo, las canciones son lindas, es un filme alegre, lo puede no solo ver toda la familia, sino también además disfrutarlo cada miembro de la misma, porque es una película que tiene corazón, y se deja querer. Y, aunque si uno que se pusiera a pensarla mucho a la película, podría alguno argumentar que tiene un argumento ridículo, eso no sucede, ya que tiene un tono de fábula, es como ver un cuento animado en cierta forma, aun cuando el filme es Live Action, o sea con actores, y hace que uno se engancha con los personajes, y que además le importe el destino de los mismos, lo cual es fundamental en un filme que pretenda emocionar. Y logra así llevar al espectador hasta las lágrimas, pero bien ganadas, no con golpes bajos, ni trucos baratos.

La película también podría ser interpretada en cierta forma, con otra lectura más profunda también; como una fábula que tiene de moraleja un mensaje en contra de la exclusión por la simple raza, y de poder fijarse en lo que hay adentro del otro y la bondad que haya en el otro. En el caso del cocodrilo se manifiesta mediante canciones esa bondad, a pesar de tener un tamaño amenazante y una boca de afilados colmillos, pero esa boca no debe verse por fuera, sino por dentro, llena de música, canto y sobre todo amor. Una muy buena película para compartir en familia, si tienen chicos, vayan a disfrutarla al cine, si no los tienen, vayan solos o en pareja.

Cristian Olcina

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100% Cine Críticas R · Crítica A Lilo Lilo Cocodrilo Por Cristian Olcina En 100% Cine

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Crítica a Argentina 1985 por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-11T12:00:00.000-03:00

Argentina 1985 es una muy buena película, sobre un hecho histórico en Argentina, que fue el juicio a la Juntas Militares que gobernaron en la dictadura de 1976 a 1983. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Argentina 1985 es una película muy efectiva, es un filme de una estructura narrativa muy clásica, qué nos podría remitir a filmes de Hollywood sobre juicios, e inclusive hasta en algunos momentos nos hace acordar a La Ley y el Orden, y cuenta la historia ficcionalizada de los pormenores del juicio a las juntas militares que habían gobernado Argentina durante en la última dictadura militar, entre 1976 y 1983, que habían luchado contra la guerrilla terrorista de izquierda, y vencido, pero al hacerlo habían cometido numerosos delitos de lesa humanidad, con miles de actos aberrantes de todo tipo; entre ellos: homicidios, secuestros, desapariciones forzosas, destrucción de cadáveres, apropiación de niños, y las más diversas violaciones a los Derechos Humanos que se puedan ocurrir tanto en delincuentes y terroristas, como en ciudadanos de bien, que por un motivo u otro fueron sospechosos, pero al no haber garantías de debido proceso, sufrían siendo inocentes las mismas aberraciones.

Ese juicio fue muy famoso en Argentina y también fue muy famoso a nivel mundial, entre otras cosas por haber tenido la particularidad de que luego de una dictadura, en vez de haber una amnistía (cómo los mismos militares se habían dado y aceptaba el partido peronista, algo que no sale en el filme), o haber venganza violenta, o algún otro tipo de resolución; en este caso, los responsables, que eran militares, debieron rendir cuentas frente a la justicia civil del país. Algo que fue en el momento, y aún hoy sigue siendo controversial, porque se esperaba que el tribunal que debiera juzgar a los militares sea un tribunal militar, sin embargo, por diversas maniobras legales, que en el film no se explicitan, pero sí se ven que son impulsadas por el presidente Alfonsín, termina aceptando el juicio la Cámara Federal. Esto, en un primer momento, el protagonista que es el fiscal que opera en ese ámbito, Julio Strassera, cree que es algún tipo de maniobra política previa a un arreglo, ante lo cual muestra su más acabado escepticismo; sin embargo, cuando ve que es un hecho consumado, abraza la tarea que le han encomendado, una tarea titánica, de llevar la acusación judicial a los ex dictadores, y promover su castigo a solo meses que hayan abandonado el poder. Junto con un nuevo fiscal ayudante, el joven e inexperto Luis Moreno Ocampo, excelentemente interpretado por Peter Lanzani, y un equipo de jóvenes muchachos que entran a la justicia, empiezan a armar el caso en tiempo récord con la asistencia de la investigación hecha por la CONADEP (Comisión Nacional de Desaparición de Personas) que ya había investigado los aberrantes crímenes de la dictadura, y habían hecho un informe expuesto en un libro que se llama Nunca Más, y en base a eso arman y presentan el caso; el cuál es el corazón del filme, que es básicamente una película de juicio.

Las escenas, tanto del juicio, como de la investigación están matizadas a su vez por algunas cuestiones personales de los personajes, y su búsqueda por la justicia, y también de algunos contratiempos, como amenazas de diversa índole, y complicaciones políticas también. La película, curiosamente, tiene mucho humor; sobre todo en su primera hora, dónde por ejemplo les cuesta a los fiscales encontrar agentes de la justicia que no tenga simpatía por la dictadura; a los cuales ellos llaman fachos, y otras situaciones de humor que matizan el tono de filme, frente a la gravedad de los crímenes de los imputados, y de la importancia del juicio; la película podría ser una película muy depresiva, y un rosario de crueldad repulsiva; sin embargo, afortunadamente no lo es, y mantiene la tensión y la mirada del espectador durante todo el metraje, ganando el arte cinematográfico siempre. Y aun cuando sepamos el resultado de esos juicios, la película evita meterse mucho en la política, para que gane el cine, y eso es una gran ventaja a la hora de contar la historia, porque abandona la tentación de ser un adoctrinador filme de propaganda, para revelarse a sí misma como una verdadera película con sentido artístico y termina siendo una verdadera obra de arte sin dudas.

En ese sentido, tanto gente de derecha como de izquierda, o liberales, o apolíticos se pueden sentir identificados con su arte; aun cuando el filme tiene algunas filtraciones la ideología de izquierda, que evidentemente pregonan los guionistas como por ejemplo la forzada e innecesaria mención del número 30.000, de parte de uno de los jóvenes del equipo, que al referirse un personaje a que los jerarcas van a decir que fueron excesos de los subordinados, el joven agrega “Sí, ¿pero 30 mil excesos?”, si bien no dice la palabra desaparecidos, es una clara referencia, que gran parte del público entiende que ese es el número de desaparecidos en un primer visionado. El problema es que siendo que ellos trabajan con el informe de la CONADEP, el mismo dice que son aproximadamente 9.000. Otras escenas con filtraciones ideológicas son la ya mencionada escena de llamar facho a un montón de gente, y también la crítica a la clase media, diciendo que tiene “tradicional tendencia de la clase media a justificar cualquier golpe militar”, y la más forzada de todas, que además desentona, es cuando el fiscal se enoja frente al televisor al escuchar un ministro que presenta el informe de la CONADEP, y lo acusa de parecerse a un comunicado de la dictadura militar, y dice “No, no, pero está culpando a las víctimas, señor ministro” en clara referencia a negar lo que la izquierda llama la teoría de los dos demonios”, que es reconocer que el enfrentamiento de los militares no era con la sociedad o con los que querían democracia, sino con terroristas; más allá de que hubo víctimas inocentes también. Da la impresión como si hubiesen los guionistas siendo un deber moral de negar “la teoría de los dos demonios, pero la realidad fue que hubo excesos, terror y muerte en ambos bandos, y esa violencia no empezó en contra de la dictadura, como muchos dicen, sino en varios años antes, y el decreto de aniquilamiento de la subversión que dio lugar a los infames excesos militares plagados de violación a los derechos humanos, fue firmado en democracia durante el gobierno peronista previo, y ahí sí sale el ex presidente interino Ítalo Luder en el juicio aclarando que aniquilación no significaba literalmente eso, aunque sí significó literalmente eso. Es como que el filme quisiera exculpar a la izquierda y al peronismo de encender la mecha del terrorismo de estado. De todas formas, estos detalles son menores dentro del metraje del filme, y no arruinan la película, y están estos puntos mencionados sobre todo está en el principio de la misma, lo cual hace que la película tome fuerza en el final sin distracciones, y no la para nada.

Argentina 1985 es un film emocionante, qué toma un caso judicial excepcional dónde hay mucho en juego, y eso hace que la trama una vez que arranque sea imparable, con un clímax extraordinario en el alegato del fiscal Strassera interpretado por Ricardo Darín, qué en la vida real ese alegato fue muy bueno, y logra la capacidad de emocionar, (está en YouTube) pero en el film es aún mejor, por muy pequeños detalles que se cambian, y la interpretación brillante de Darín, que es de un Impacto fenomenal, al punto tal que la gente aplaude espontáneamente en el cine, y en las últimas escenas después de eso, la película se hace un poquito larga, porque ya no puede haber algo más emotivo que eso, sin embargo eso no arruina el final y no quita que sea una muy buena película, y además que sea casi obligatoria de verla para todo espectador argentino.

Cristian Olcina

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100% Cine Críticas Q · Crítica a Argentina 1985 por Cristian Olcina en 100% Cine

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Crítica a Wakanda por Siempre por Cristian Olcina

2022-11-10T08:02:00.006-03:00

Si los filmes fueran comida, las películas de Superhéroes serían hiper calóricos postres; La primera Pantera Negra sería una rica tortade chocolate, y esta secuela sería pan ácimo, que no solo no es dulce, sino que además no tiene sal ni levadura. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Wakanda Forever es una película fallida, podríamos decir que nació muerta, ya que esto se condice con la condición del protagonista, que su vez deriva de la muerte del actor Chadwick Boseman. Seguramente se debe haber debatido mucho en el estudio sobre si hacer la película o no, y sobre todo como hacerla; porque, ¿cómo podemos ver una película de Pantera negra sin la Pantera negra? y en ese sentido, por más intentos que haga, la película en ningún momento logra suplir el hueco existencial que tiene la misma, fallando en la quijotesca tarea de hacer una película de Pantera negra, sin la Pantera negra.

La película no busca directamente un reemplazo, y en ese sentido es como que casi se queda sin protagonista, y la ausencia se nota y fuerte, aun cuando podríamos decir que uno de los personajes, el de la hermana del Rey T’Chala es la protagonista de facto por defecto, pero no logra tener la fuerza dentro del guion para que así verdaderamente lo sea. La actriz que interpreta ese rol no tiene el mismo carisma que tenía el actor original, y además es como que el problema de extrañarlo al actor y al personaje, se expande por una serie de personajes durante todo el metraje. Podríamos decir que es una película sin protagonista y eso genera un efecto de dispersión en el guion y la trama, que es prácticamente insalvable. En la historia del cine hay películas y series que no tienen un solo protagonista claro, pero si tienen un reparto de ensamble, qué se le dice, dónde hay varios que son protagonistas al mismo tiempo, como sí funcionó en La Liga de la Justicia de Zack Snyder, donde el filme arranca con Superman muriendo. Un ejemplo típico de Ensamble Cast es el de la serie Friends, podríamos decir que no hay un protagonista, sino que son 6 protagonistas, Entonces es lo que se llama un Reparto coral, o un reparto de enensamble, pero ahí funciona, en cambio acá no. Ya que no es ni un reparto coral de ensamble, ni tampoco hay un protagonista claro; entonces la película por momentos va a la deriva, dañando fuertemente el arco dramático de la misma, y eso hace que nos genere un efecto de desenganche con la trama que por momentos puede alienar al espectador.

Con respecto a la historia, la película tiene un comienzo un tanto extraño, donde el protagonista muere fuera de cámara, y la primera secuencia de la película se dedica a ese hecho y al funeral, y funciona a modo de homenaje al actor Chadwick Boseman, que evidentemente era muy querido, y es un arranque poco convencional, pero tiene cierta emotividad, sobretodo cuando luego de esa secuencia, entran los títulos de Marvel con fotos del actor fallecido, y hay silencio, es un momento conmovedor, muy emotivo; cualquier verdadero fan de Marvel podría llorar en ese momento. El problema es que, luego de eso se debería hacer el duelo y encarrilarse la película, pero al igual que el personaje de su hermana, no quiere hacer el duelo y no sigue adelante con fuerza el filme, sino que está a la deriva, divagando sin un protagonista claro, y peor aún, sin un Villano claro, ni una amenaza clara. A todo esto se suma el extenso metraje de la misma, que no se justifica para nada, porque cuando uno tiene una película que tiene mucha historia para contar, o que están muy bien contada, esa historia con una gran narrativa que sea emotiva, uno puede tener varias horas de metraje sin problema alguno. Titanic duraba tres horas y cuarto, y no le sobraba ni un minuto. Inclusive dentro del mundo de los superhéroes tenemos el ejemplo de La Liga de la Justicia de Zack Snyder, filme que deberían haber estudiado mejor lis de Marvel, que dura 4 horas y nadie salió a decir que era ababurrida. En el caso de Wakanda Forever la película no es aburrida en sí misma, pero sí puede aburrir; ciertamente no tiene la tracción emocional ni el dramatismo de la primera Pantera Negra y menos aún su sentido de aventura, de descubrimiento, ni su epicidad; ciertamente esta secuela no va hacer historia, como sí hizo la original, que estuvo nominada al Oscar ala mejor película, y además ganó el premio principal del gremio de los actores en Estados Unidos, eso les puedo asegurar con 100% de confianza, que no va a suceder ninguna de esas dos cosas este año.

Marvel al hacer este proyecto se metió en camisa de once varas, y lamentablemente no supieron resolverlo, hubiera funcionado mejor que hubieran llamado a otro actor para hacer de Pantera Negra, aunque sí hubieramis extrañado a Chadwick, y seguramente lo hubiéramos criticado a su reemplazo por no tener el carisma del mismo, y por no ser él; otra opción habría sido poner un personaje que lo reemplace, o bien no hacer el film, también resolverlo de una forma parecida a lo que hicieron con Superman en el filme que ya mencionamos. Y finalmente, se podría haber hecho un verdadero guion que permita un ensamble coral real, donde haya varios protagonistas con la misma importancia, y no este producto donde el fantasma de Chadwick Boseman sobrevuela toda la película, y da la sensación de que es una película hecha con todos personajes secundarios con las escenas que pudieron filmar, cortando las escenas dónde iría el protagonista. Esta es una película homenaje y en el comienzo es emotivo, y en el final cuando también aparecen imágenes del actor fallecido, también es emotivo, pero teniendo Disney Plus para estrenar productos sin ninguna necesidad de seguir reglas del tiempo, simplemente podrían haber hecho un homenaje de 20 minutos, y ahorrarnos 2 horas 20 de desvaríos existenciales en el cine. Marvel se quiso comer el pan y la torta, y se quedó sin ninguno de ellos, encima ofreciéndole al espectador pan ácimo, que no tiene levadura, ni sal, cuando el primer filme era una torta híper calórica y riquísima con el mejor chocolate.

La historia es más o menos simple, aunque juega sobre lo peor que tenía pantera negra, que es el hecho de que el país estaba como oculto en cierta forma, algo sin mucho sentido, y que tiene un mineral súper importante que se llama vibranio, que es un metal de unas propiedades extraordinarias. Ahora resulta qué otros países, entre los Estados Unidos y Francia, quieren ese vibranio, y encuentran en una zona del Océano Atlántico dónde curiosamente, ahora resulta que nos enteramos que hay una raza de atlantes, que son personas azules que viven bajo el mar, que por momentos parece que estuviéramos viendo Avatar en versión clase B; y por algún motivo raro, el personaje de Namor tiene facciones humanas con el color de piel normal, pero es el líder de este pueblo. El personaje de Namor no había sido adaptado antes al cine, y si bien es cierto es un superhéroe, aquí está presentado como una especie de villano. El filme no lo hace villano del todo el film, pero sí hace cosas que como mínimo son de antihéroe, donde mata personas y hace destrucción de una manera clara e inmoral, pero es como que a su vez el guion no quisiera mostrarlo del todo como villano, como para wue en algún momento se alíe a los protagonistas, algo que volviendo a Zack Snyder, sí resolvió bien en otro filme, Batman v Superman, gracias sobre todo a la inclusión de un villano bien malo y bien poderoso. Entonces en Wakanda Forever el enfrentamiento del bien y el mal qué debería darse no es claro, y tiene determinados altibajos. El personaje de Namor en un principio pretende una alianza con Wakanda para ir en contra de los otros países en la superficie, para proteger este tesoro del vibranio; y secuestra una adolescente que había creado un detector de vibranio, y ahí se va a meter uno de los personajes wakandiano para rescatarla, y esto crea tensión entre los pueblos.

La película empieza bastante lenta, tiene un ritmo lento, tiene mucho menos acción que la primera, no tiene escenas que sean claramente épicas, y lo que ponen en riesgo es menor. Además de irse por las ramas en determinadas subtramas, y en determinada agenda de inclusión y de cuestiones más bien políticas. No sería extraño que un niño se aburra con la película, que además es notable cómo tiene un tono solemne y como de perdida, que hace que esté prácticamente exenta de humor, a diferencia de otros productos de Marvel, al punto tal que luego de varias horas de metraje, hay una sola escena donde hay un momento gracioso, en donde se ríe la gente en el cine, e inmediatamente viene la reflexión de uno diciendo “wow, es la primera vez que se ríe la gente después de 2 horas de película” Y eso denota la parsimonia, la falta de humor, y el tono depresivos de la película. Algo que sí resolvió bien Rápido y Furioso 7, donde el filme no era depresivo, sino apasionado, y con un homenaje a Paul Walker emotivo luego de su fallecimiento. En este caso, sobre el final tenemos cierta emotividad recordando al personaje de Pantera negra y quien lo interpretaba, pero eso no alcanza a redimir el producto de manera completa. Cuando te comparan con Rápido y Furioso y salís perdiendo, te das cuenta que tenés un problema serio en el filme. Mejor hubiesen hecho directamente un homenaje de 20 minutos para Disney +.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 12/11/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

Aquí la crítica radial en video emitida el 12/10/2022 por FM Play.

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Crítica a Milagros Inesperados por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-02T11:55:00.002-03:00

Milagros Inesperados (The Green Mile) es un clásico muy amado por la audiencia. está en el Top 250de IMDb y vuelve a los cines luego de 22 años . Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Milagros Inesperados es un clásico del 1999, que en 2022 ha vuelto a salas de cine, protagonizado por Tom Hanks y dirigido por Frank Darabont, quien unos años antes había dirigido otro clásico de inmenso impacto, aunque no tanto en su primera exhibición en el cine, que se llamó sueños de libertad (The Shawshak Redemption). En este caso la gente ya estuvo advertida, y este segundo filme que combinaba cáceles, Darabont y Stephenk King, fue un gran éxito en el cine. Está película ha logrado un impacto tal, que está en la lista de las 250 películas preferidas de la historia por parte de la audiencia, a nivel mundial en IMDb, al igual que la película antes mencionada, que se encuentra en el puesto número 1 de dicha lista.

La película está basada en una obra de Stephen King, y cuenta la historia de unos guardia cárceles y los reos que están encerrados en el ala del corredor de la muerte de una la de la prisión, donde van los condenados a muerte a pasar sus últimos días, ahí hay una parte con el piso verde y de ahí el título original The Green Mile, porque ese es lugar por donde caminan estos presos para ser ejecutados.

El conflicto principal aparece cuando llega un preso nuevo, acusado de atacar a dos niñas inocentes, interpretado por Michael Clarke Duncan, en su papel consagratorio; pero pronto nos daremos cuenta que este hombre es inocente, y además es muy bueno; y no solo eso, sino que tiene el poder de curar a las personas tocándolas. Eso hace que el personaje de Tom Hanks quiera salvarlo del corredor de la muerte, y ahí se van a dar una serie de conflictos en esa línea argumental, y a su vez con otro personaje colega que hace las veces de villano y es muy cruel.

La película funciona bastante bien, es larga, es muy atrapante, pero sin embargo en el final tiene un nivel de crueldad bastante grande, que puede hacer que muchos espectadores se sientan mal, y que inclusive les disguste el film, y un epílogo que es incoherente con la línea argumental que viene trayendo el filme, que además es deprimente; destruyendo parte de lo que el film había construido a lo largo de su metraje, bastante extenso. Sin embargo, esas cuestiones del final que esté crítico destaca y que fueron causantes de grandes molestias para el mismo, parece no haber afectado tanto a la gente que vio el filme, que el abrazó con mucho amor a la película, y la puso dentro de sus favoritas de la historia, como aún lo sigues siendo más de 20 años más tarde.

Verdaderamente vale la pena verla, independientemente que a uno lo terminé gustando o no, y es un film emocionante, impactante y que no se olvida fácil, que además invita a la reflexión, hay que verla.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 03/09/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas P · Crítica a Milagros Inesperados por Cristian Olcina en 100% Cine

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Crítica a Vértigo (Fall, 2022) por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-02T11:39:00.004-03:00

Varadas en la punta de una antena de 600 metros de altura abandonada en el medio del desierto, dos mujeres deben sobrevivir, la excusa perfecta para una tensa película de suspenso. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Vértigo (The Fall, 2022, no confundir con el clásico Vertigo de Hitckcok) es una película interesante de suspenso con mezcla de drama y tragedia, donde dos protagonistas mujeres se suben a una enorme antena abandonada y cómo esta está en mal estado, parte de la escalera se cae, y quedan varadas en la punta a 600 metros de altura. Ese es el seteo de la película y la mayor parte de su metraje.

Resulta ser que estás amigas previamente tuvieron una gran desgracia juntas, cuando andaban escalando junto al marido de una de ellas y este cae al precipicio; la esposa queda con un trauma muy fuerte y deprimida, sin poder volver a escalar, y cerca del aniversario reaparece la amiga a instancias del padre de la viuda, para proponerle subir a esa antena, y de ahí tirar las cenizas de su marido fallecido; lo cual es un poco extraño, ya que él murió de caerse de una gran altura, entonces es raro cuando menos que su homenaje y su último destino sea que sus cenizas sean tiradas desde una gran altura; pero bueno, esa es una acotación al margen, y no es el centro de la película.

El filme pasa por estar ellas varadas en esa antena en el medio del desierto, en un lugar donde no hay nadie, no tienen señal del celular, y nadie sabe que están ahí; por lo tanto, o habrá que bajar de alguna forma, o habrá que intentar comunicarse de otra, y en eso gasta la película gran parte de su metraje, en hacer secuencias donde elaboran distintos planes, con distintas estrategias, y distintas suertes, para ver si logran alguna de las dos cosas antes de morir de hambre, deshidratación o frío. Mientras tanto, habrá vértigo, suspenso, drama, y revelaciones.

La película funciona bastante bien, y es sorprendente que a pesar de que gran parte del metraje se desarrolla en una sola locación con solo dos personas, no aburre, es entretenido y además tiene mucha tensión, lo cual es un gran logro de dirección. Además, parece filmado en altura realmente y nada parece hecho por computadora ni pantalla verde.

No todas las escenas, ni todos los giros de tuerca funcionan plenamente, pero sin embargo es una gran opción de entretenimiento y de suspenso, que nos mantiene en vilo toda la película.

Sorprendentemente este film no está en 3D, aun cuando es una película ideal para el formato, y con una buena dirección si le podría haber sacado un enorme provecho, cómo fue el caso de The Walk (En La Cuerda Floja) de Robert Zemeckis. Sin embargo, también funciona en 2D, y es recomendable para verlo especialmente en el cine, ya que en una pantalla más chica en la casa va a perder gran parte de su impacto visual, y seguramente eso se va a ver convertido en menor suspenso y emoción para el espectador, aun así, recomendada en cualquier pantalla.

Cristian Olcina

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Crítica a Tiempo Para Mí por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-11-02T11:15:00.006-03:00

Tiempo para Mí no es arte, es "contenido" de Netflix, un producto genérico más para que la plataforma tenga cosas adentro, un filme vacío, no tan gracioso y olvidable. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Tiempo para mí es una intrascendente comedia que no aporta nada al género, y qué es medianamente entretenida, pero no es una gran obra como para pasárselas riendo; tiene algunas ocurrencias interesantes, especialmente en el protagonista de Mark Wahlberg y sus extravagantes formas de celebrar sus cumpleaños, pero muchas de las ocurrencias del guion, como por ejemplo el destino de una tortuga con la cual el protagonista sale en el póster, no generan una gran gracia y muchas directamente no funcionan. Los actores están bien elegidos, y son medianamente graciosos, pero en este pasatista y olvidable producto de Netflix, no vamos a encontrar mucho más qué unos minutos de entretenimiento. La trama consiste en que el personaje de Mark Wahlberg suele hacer unos cumpleaños épicos, y en este caso le toca festejarlo en el desierto al cumpleaños 44, donde entre otras ocurrencias, deben cazar su propia comida; y luego de varios años se vuelve a sumar uno de sus mejores amigos interpretado por Kevin Hart, pero las cosas se complican porque en la fachada de persona muy rica y exitosa del personaje de Mark Wahlberg empieza a caerse, y estos personajes a su vez hacen ciertas travesuras, por así decirlo, y luego van a tener consecuencias; pero bueno, al menos no matan la tortuga. El filme se desarrolla con algunos grises morales porque extrae cierta gracia de ciertas maldades de los protagonistas, y lo hace con cierta liviandad en los temas que toca. El film no consigue despegar vuelo del todo, y se queda como otra olvidable película que quizás de acá unos años solo se den cuenta que la vieron, porque la marcaron así en la plataforma; yo ciertamente voy a saber que la vi porque para hacer críticas siempre veo las películas en cuestión, sino probablemente en algunos años habría olvidado para siempre su existencia.

Cristian Olcina

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Crítica A Black Adam Por Cristian Olcina En 100% Cine

2022-11-01T12:22:00.001-03:00

Black Adam llega de la mano de Dwayne Johnson para entretenernos en un filme de super acción, pero que también nos deja pensando cuestiones morales sobre lo que vimos. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Black Adam es una película efectiva de acción qué trata sobre uno de los villanos que tiene el personaje de Shazam, denominado Black Adam; pero en este caso, al igual que en otras películas qué se centran sobre villanos, está buenizado, y edulcorado, y además cuenta con un recurso usual de guion de estos casos, que es enfrentarlo a un villano aun peor, realmente muy malo. Por lo tanto, el protagonista ya no queda en el rol de un villano en sí mismo, sino más bien en lo que podríamos denominar un antihéroe, ¿cuál es la diferencia? Qué el héroe convencional cómo sería Shazam o como sería en el caso de este filme, los personajes de la sociedad de la justicia, tienen la particularidad de obrar en pos de un bien mayor, de tener una buena causa, de luchar contra el mal, pero además, y esto es fundamental, deben hacerlo mediante determinadas reglas legales y morales, entre ellas, las de no matar a las personas con las que se enfrentan, o sea el héroe no solo se debe enfrentar al mal, sino que lo debe hacer moralmente, con acciones que no sean excesivas y no justificando acciones inmorales en aras de un bien mayor; en cambio el antihéroe se enfrenta al mismo mal que los héroes, pero sus métodos no son moralmente aceptables, mata sin mediar mucho problema y sin pensarlo dos veces, y no se fija tanto en los daños colaterales; de hecho, en la primera escena que aparece Black Adam, básicamente hace una masacre, aunque hay que destacar que esa masacre es sobre una fuerza de ocupación enemiga llamada intergang que está gobernando por la fuerza a un país y enfrenta a fuerzas armadas. Al ver esto los héroes de la de la sociedad de la justicia quieren detenerlo al personaje de Black Adam, sin embargo, esto también nos hace plantear ciertas cuestiones morales sobre los héroes, porque el mismo Black Adam y otros personajes se plantean que ¿por qué estos personajes de la sociedad de la justicia no habían aparecido antes para liberar a este pueblo de Intergang, pero ahora sí aparecen para liberarlo del antihéroe que los protege? Cómo destacando un problema de prioridades, o de doble moral de estos personajes que se arrogan ser protectores de un pueblo desde la moralidad.

Curiosamente el público se divide entre quienes están alentando a favor de Black Adam y quiénes alientan a favor de la sociedad de la justicia, inclusive dentro de niños qué van a ver esta película se da esa dicotomía. En ese sentido el film hace un planteo moral y juega al límite de la moralidad de lo que deben ver los niños, porque plantea claramente que matar está mal, pero también muestra al personaje principal con el cual nos identificamos, matando sin mucho problema; pero además hay otra cuestión también, y es que a veces la violencia es necesaria, y a veces inclusive es necesaria la violencia al punto de matar a alguien. Por ejemplo, si entra un ladrón a mi casa y quiere matar a un hijo mío, y yo tengo un arma, le disparo y lo mató, es moralmente aceptable que lo haga, porque es para salvarle la vida a mi hijo quien está siendo amenazado sin causa, es violencia defensiva justificada inclusive a nivel legal. Cuando los aliados tomaron Normandía en la Segunda Guerra Mundial fue una masacre, y murieron miles de nazis, y a su vez miles de aliados también, pero no había otra opción, necesariamente había que liberar Francia para detener el avance nazi que era una maquinaria criminal de muerte que cometía todas las aberraciones más alevosas en la historia de las matanzas humanas, y de los derechos humanos violados; no podemos endilgarles a los soldados que desembarcaron ahí que estaba mal en matar nazis. Y también un poco la película se plantea eso, cuando le da cierto changüi para actuar a Black Adam. Por lo tanto, a diferencia de otras películas de superhéroes, esta está como en una especie de gris moral, en dónde van y vienen preguntas, y van y vienen justificaciones sobre el límite de la violencia.

Desde lo cinematográfico la película funciona bastante bien, es entretenida, tiene algunos momentos de acción muy buenos, tiene algunos momentos ¡wow! Donde la acción sorprende al espectador y se festeja; pero no logra llegar a un punto de emoción y epicidad como si logra hacerlo el hombre de acero o la liga dela justicia de Zack Snyder; en ese sentido se queda corta, cómo que la dirección es eficiente, pero no logra el punto justo para emocionarnos verdaderamente. Los chicos la disfrutan, los grandes la pueden disfrutar también, pero desde el punto de vista argumental quizás no sea lo suficientemente interesante como para lograr una gran obra dentro del género, y desde el punto de vista de la acción tiene un problema serio, quizás por culpa de intervención del estudio, la película tiene demasiada acción, es lo que podríamos llamar una película de súper acción, entonces pretende que estemos tensionados todo el tiempo, y eso desde un punto de vista de la psicología, del montaje cinematográfico no es posible, las escenas de acción deben ir intercaladas con otras escenas más tranquilas que nos dejen descansar, y que a su vez hagan un contraste entre las escenas más movidas y las escenas más tranquilas. El arco dramático en una película debe ser como una montaña que sube y baja, y si tiene varias escenas de acción debe ser como una especie de duna donde sube, baja, sube, baja. Si el arco dramático está demasiado alto siempre, la película queda meseta y eso genera un efecto de que baje el interés, en ese sentido, curiosamente, a la película le faltan 20 minutos más, pero no de acción, sino de escenas de introducción y desarrollo de los personajes, que vayan intercalados entre las escenas de acción, y de esa forma, a pesar de que le estaríamos agregando escenas de no acción, escenas más tranquilas, y bajándole la acción proporcionalmente con respecto al total del metraje, funcionarían mejor las escenas de acción con estos cambios, ya que nos importarían más los personajes, y la película sería más emocionante. Quizás haya tenido esos momentos y los hayan cortado por efecto de presiones del estudio, o de no hacerla tan larga, o cosas por el estilo, si ese es el caso, y esas escenas estuviesen filmadas, una versión extendida de esta película con esas escenas podría mejorar notablemente el desarrollo del film la emoción del mismo, y el resultado total de la película.

Aun así, la versión estrenada funciona bastante bien, pero sin lograr de que sea un filme trascendente. Pero cabe destacar que en el final la gente en el cine queda bastante satisfecha, y luego de las escenas de créditos y la escena post créditos que hay, que es muy relevante, el público de la sala de cine aplaude y queda con ganas de ver que la historia siga, lo cual no es poco.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 22/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A Black Adam Por Cristian Olcina En 100% Cine

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Crítica A El Gerente Por Cristian Olcina En 100 Cine

2022-11-01T10:29:00.001-03:00

Una ingeniosa película argentina sobre la arriegada promnocion de Noblex en 2018 donde si Argentina quedaba fuera del mundial te regalaban qel tele que habías comprado. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

El Gerente es una película bastante inteligente, graciosa, y de buen tono y ritmo, dirigida por un director argentino que es realmente muy bueno, que se llama Ariel Winograd, que ya ha hecho otros éxitos comerciales y artísticos estrenados en las salas. En este caso cuenta la historia basada en hechos reales, de una persona encargada del marketing de la firma Noblex, cuando está por ser el mundial de fútbol de 2018 y se le ocurre hacer una campaña dónde si argentina no clasifica al mundial, Noblex le devuelve el dinero completo, pero sin quitarle el televisor a la gente; o sea que básicamente se lo regala al televisor a cada comprador si Argentina no clasifica al mundial. La campaña es realmente exitosa, y cuando argentina empieza a flaquear en las eliminatorias y casi se va quedando afuera del mundial, la apuesta empieza a ser muy dramática, dado que podría quebrar a la empresa. La película claramente no muestra de forma fidedigna este proceso, pero sí la muestra de una forma cinematográficamente válida, con una historia realmente interesante, creíble y verosímil. La película tiene un buen ritmo, buenas interpretaciones, y funciona bien durante todo el metraje, además es ingeniosa tanto en su narrativa, como en su argumento, haciendo que el espectador esté casi todo el tiempo con una sonrisa en su rostro, aun cuando tiene sus momentos dramáticos, y también sus momentos emotivos. A su vez, hay un paralelismo entre esta historia de esta enorme apuesta, con la vida de nuestro protagonista, bien interpretado por Leonardo Sbaraglia, que hace del personaje del jefe de marketing, qué se cae a pedazos en su vida personal por distintos problemas, familiares, emocionales, de salud, y laborales; pero esta campaña exitosísima puede ser la que lo lleve a la gloria, o la que lo hunda definitivamente, y al público le interesa saber qué pasa con este personaje, a pesar de que sabemos cómo terminó la campaña en la vida real los que somos argentinos, y quizás en algunos otros lugares del mundo también, por el impacto de la misma, especialmente en redes sociales. La película funciona con suspenso en determinados momentos, y hace que a uno le interese lo que le pasa a los personajes, además de pintar lo que es la pasión argentina por el fútbol, y lo que vive en determinados hinchas, que prefieren obviamente que argentina clasifica al mundial, antes que tener un televisor de 50 pulgadas gratis, cómo se ve en el personaje interpretado por el Tano Pasman, hincha que se hizo famoso por un video viral del descenso de River Plate, que funciona bien en esta peli, aunque está un tanto reiterativo. Una película que se puede ver con toda la familia, que funciona bien, qué es graciosa, y que, sin tener la trascendencia de otros filmes del director, logra hacer un producto redondo, de primer nivel, qué es garantía de entretenimiento. Muy recomendada.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 29/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A El Gerente Por Cristian Olcina En 100 Cine

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Crítica A Fuerza Bruta Por Cristian Olcina En 100% Cine

2022-11-01T09:23:00.010-03:00

Una efectiva película de acción coreana con una narrativa clásica que es puro entretenimiento y funciona muy bien. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Fuerza Bruta es una película coreana de acción qué funciona muy bien, es técnicamente una secuela, pero aquí en la traducción castellana ha perdido el número dos, y se puede entender perfectamente sin haber visto la primera. El filme trata sobre un caso de secuestro que sale mal y la venganza del padre del muchacho secuestrado, eso hace que se enfrenten dos facciones, una de mafiosos, y otras de sicarios, mientras los protagonistas guiados por un policía qué le gusta andar a las piñas, interpretado por don lee trata de meterse en la acción en ambos frentes, y parar ambas bandas. La película es bastante violenta, pero sin embargo tiene un tono muy ligero donde evita ser trágica o demasiado dramática, y siempre tiene un tono de aventuras más que todo, pero también humorístico, con algunos personajes que son un tanto torpes, que funcionan muy bien para sacarnos algunas risas. Fuerza bruta es una película sumamente entretenida, que vale la pena verla en el cine, y que también puede ser una gran elección para desenchufar el cerebro de los problemas diarios y bajar el estrés, esos momentos donde uno se quiere entretener con un film de acción simple y efectivo, con grandes momentos de peleas, y de persecuciones que están bien filmados, y que no tienen nada para envidiarle a los norteamericanos a la hora de filmar. Un filme pasatista, pero bien logrado, y un entretenimiento asegurado. Recomendada.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 15/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A Fuerza Bruta Por Cristian Olcina En 100% Cine

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Crítica A El Exorcista Por Cristian Olcina En 100% Cine

2022-10-31T20:29:00.002-03:00

El cásico inmortal del cine de terror vuelve a salas de cine, la pelicula que más miedo ha generado en la historia; senoras y señores: El Exorcista. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

¿Qué cosa nueva se puede decir de El Exorcista? Ya qué es una de las películas de terror más famosas de la historia, y probablemente haya sido la que más terror haya causado en la historia del cine, ¿qué se puede agregar a los ríos de tinta que ya se han vertido para comentarla? Desde un punto de vista estrictamente pragmático, podríamos decir que, si una película de terror tiene la finalidad de asustar, de generar miedo, de generar terror, y a lo largo de los años el exorcista ha demostrado ser probablemente la más efectiva de todas en ese aspecto; es indudable que es una gran película, y que puede entrar dentro de la calificación de obra maestra del terror. El film tiene un argumento simple pero efectivo, una niña ha sido poseída por un demonio llamado Pazuzu, y la madre empieza investigar qué le pasa, y cuando se han descartado cuestiones médicas, acude a un sacerdote y este a su vez acude a la iglesia, y junto con un exorcista experimentado van a verla a la nena para hacerle un exorcismo y tratar de sacarle el demonio de adentro. La película es muy efectiva, porque está muy bien dirigida, tiene muy buenos efectos especiales prácticos, y logra un clima muy bueno. Dentro de la técnica de dirección y su resolución con efectos prácticos podemos destacar la famosa anécdota por ejemplo, de que para que se le vea el aliento a los actores, y eso genere un efecto aterrador, el set estaba dentro de una heladera gigante, qué se ponía al punto de congelación durante la noche cuando no filmaban, entonces hacía un gran frío a la hora de filmar; estaban todos con gruesas camperas, pero los actores no; y estaban tensionados en algunos momentos, temblando inclusive, y el espectador piensa que es de miedo, pero en realidad era de frío, mientras se le veía el aliento cuándo hablaban. La película es muy efectiva, y es un film que está lo suficientemente abierto a distintas interpretaciones, pero entre otras cosas habla sobre el misterio de la fe, sobre la vocación, sobre el enfrentamiento del bien y el mal, sobre los peligros de meterse en determinadas cuestiones espirituales cómo jugar a la ouija por ejemplo, y sobre como hay un enfrentamiento constante a nivel espiritual dentro de la gente misma, y a su vez dentro de una visión cristiana por fuera, entre dos facciones liderada por dios y el diablo. La película tiene un tono muy serio, no tiene humor, tiene imágenes impactantes, y en normas generales es bastante realista. Y como otras películas de terror que juegan dentro de una ideología cristiana, para los que sean cristianos puede llegar a tener un plus de miedo, dado que el cristiano cree que puede ser víctima de una posesión, y que está en constante enfrentamiento con el diablo, los demonios, y la tentación. Y esto hace que el miedo a perder el alma puede ser mucho más fuerte que el miedo a perder la vida. El exorcista es una obra maestra del género qué está llegando a su 50 aniversario, qué no envejece, está llena de premios y reconocimientos, y podemos decir qué es la película más básica y fundamental que toda persona qué tengo un mínimo conocimiento del género del terror debe ver. Imperdible, y más aún si está en el cine.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 15/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A El Exorcista Por Cristian Olcina En 100% Cine

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

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Crítica A El Fotógrafo De Minamata Por Cristian Olcina En 100% Cin

2022-10-27T14:55:00.003-03:00

El fotógrafo de Minamata para resumirlo de manera muy simple, es Erin Brockovich pero versión dramática, oriental y lenta, con Johnny Depp. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

El fotógrafo de Minamata es una película dramática basada en hechos reales que cuenta la historia de un fotógrafo interpretado por Johnny Depp, que va a retratar las condiciones en las cual vive la gente de un pueblo que se llama Minamata en Japón, que ha empezado a enfermarse y a tener hijos con deformaciones importantes debido a la contaminación por mercurio de las aguas de la zona, de la cual es responsable la empresa química del pueblo, Que es la fábrica más importante de la zona, Y qué más trabajo da. el film retrata el viaje de este personaje que ha sido un fotógrafo famoso, que tiene un pasado que le pesa, y que ya está cansado, y piensa en su retiro. pero a su vez lo conmueve lo que ve en la zona, y los niños que tienen problemas importantes por esta contaminación.

La película funciona bastante bien, pero es lenta y parece más un filme japonés que norteamericano, con la sola excepción de su estrella hollywoodense. Es una coproducción entre esos y otros países. el film está contado un poco de manera fría, por lo tanto, personas que se emocionaron con Erin Brocovich u otras películas de juicios, o de luchas contra fábricas importantes, o contra el sistema, como podrían ser The Rainmaker de Coppola, o algunas otras del estilo, quizás no se vean tan entusiasmados con esta propuesta. Sin embargo, la película entrega lo que promete, y trata un tema importante.

Lamentablemente, en el final, en las escenas de los créditos el filme evoca a otros casos de luchas contra empresas que han generado contaminación, entonces el film se termina disparando en el pie, porque ese cierre tiene un tono más propagandístico, que no ha tenido el metraje antes de los créditos, que ha sido bastante artístico; y esto le baja un poco la calificación artística a la obra, porque es como si el director le hubiera importado más la propaganda que el arte y como que disminuye el valor del arte en sí mismo como si el arte porque sí no fuera valioso; y necesariamente tuviera que dar un mensaje importante, y eso le baja el precio al logro artístico del filme. Más allá de eso, es una película que funciona, y que tiene una recomendación limitada, dada su parsimonia, que al público que está acostumbrado a filmes más acelerados, le puede parecer lenta o inclusive aburrida, aunque objetivamente no lo es.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 22/10/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas R · Crítica A El Fotógrafo De Minamata Por Cristian Olcina En 100% Cine

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

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Crítica a Jack in The Box 2 El Despertar por Cristian Olcina en 100% Cine

2022-10-27T13:02:00.007-03:00

Un filme de terror intrascendente que no aprovecha el que podría ser un gran villano, aunque en algunos casos puede asustar. Debajo de la foto, la crítica escrita más formal; más abajo la crítica radial, más informal, completa en los reproductores de audio solo, o de YouTube con video.

Jack En La Caja Maldita 2 es una película de terror de bajo presupuesto y clase b qué funciona a medias y no tiene un nivel muy distinto a la primera película de la saga. El filme tiene un villano interesante qué es un payaso demoníaco que está en una caja misteriosa y antigua, la cual se abre formando una palabra en unos controles que tiene, sale el payaso y mata gente. Lamentablemente por cuestiones de cámaras y de mostrarlo demasiado al personaje, no funciona tanto para asustar al espectador como podría haber sido con una dirección más ingeniosa; cómo sí pasó con Wes Craven en Pesadilla En Lo Profundo De La Noche, la primera película de Freddy Krueger.

En Jack In The Box 2 a diferencia de la primera, en esta se ve que a la caja se le puede pedir un deseo, pero el precio de cumplir ese deseo es con sangre de varias personas y eso hace más interesante a este filme que al anterior; porque le endilga ciertos problemas morales y además hace que el verdadero villano sea quién usa la caja, y el payaso termina siendo como una especie de genio malvado, por un lado, y de sicario por otro. La película cuenta la historia de una señora que está enferma y quiere curarse, pidiéndole vida a la caja, y cuenta también la historia de su hijo que la cuida, pero tiene una relación enfermiza con ella, donde su madre lo domina completamente, y hace recordar a Norman Bates de Psicosis, salvando las distancias. Y también muestra al personaje de una chica que entra como empleada doméstica al hogar donde vive esta señora, que va a cumplir la función de protagonista amenazada y en peligro por esa presencia siniestra tanto familiar como demoníaca.

Un film que no funciona del todo, pero tampoco deja de funcionar del todo tampoco, está ahí; quizás algunas personas amantes del género de terror les guste, e inclusive les pueda dar miedo o sustos; no es el caso de este crítico, y quizás otros se lamenten por la falta de atino para aprovechar un personaje interesante, y por la intrascendencia del film. Más que para ser vista en el cine, para ser vista en un streaming gratuito tipo Pluto TV.

Cristian Olcina

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Aquí está crítica de audio que se emitió por FM Play el día 03/09/2022, más abajo, en el reproductor de YouTube, exactamente la misma crítica pero con video:

100% Cine Críticas P · Crítica a Jack in The Box 2 El Despertar por Cristian Olcina en 100% Cine

Aquí la misma crítica radial, pero con video:

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